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DEL “NAZI DE LA SOPA” AL “NAZI DEL ARTE”

Hace ya unos años, escribí un artículo con un nombre llamativo. “Facing the Art Nazi” (enfrentando al nazi del arte) era una elíptica referencia a un sketch muy celebrado en la comedia televisiva “Seinfeld” que involucraba a quien Jerry llamaba “The soup Nazi” (el nazi de la sopa).

Este era un personaje casi caricaturesco. Un brillante cocinero que preparaba las sopas más ricas de New York, pero que era tan locamente estricto con detalles relacionados a los ingredientes y a la manera de solicitar sus sopas, que si alguien se salía de ese molde, le gritaba inmediatamente “No hay más sopa para vos, afuera!” (“No more soup for you! Get out!”)

Ultimamente he visto que el artículo original ha recibido numerosas lecturas, por lo que decidí traducirlo al español para aquellos que prefieran leerlo en nuestro idioma.

Espero que lo disfruten:

Sabés que hay cosas que amás. Las ves, las tocas, pueden hacerte sentir feliz, incómodo, pueden llevarte de nuevo a tu infancia o hacerte pensar en el sentido de la vida, incluso te pueden alegrar o entristecer. Sin embargo, pese a que no todo parece ser perfecto, igualmente las amas.

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Fused (2016) de Ignacio Alperin

Eso me pasa con muchas de las experiencias que tengo al visitar algunas galerías. Entro y veo cosas que simplemente disfruto. Como la mayoría de ustedes sabrán, soy artista plástico. Por eso me encanta ver lo que hacen los demás, cómo se expresan, sus técnicas, su expresividad sublime y sus fracasos masivos.

Todo es parte de la red planetaria de neuronas que todos compartimos como artistas. Si querés, sería algo así como dejar que el lado izquierdo de tu cerebro eche un vistazo a lo que está haciendo el lado derecho. En algunas ocasiones aprobarás lo que ves y otras no, pero la mayoría de las veces, probablemente pensarás “Eso es diferente, ¿por qué yo no pensé en eso?” (Mientras que en otras será algo más parecido a “Me alegro que nunca fui por este camino…“).

Hay tantos paradigmas visuales como habitantes en este planeta. Sin embargo, la libertad de expresar esas diferentes visiones del mundo no está tan simplemente disponibles. Los artistas somos, en general, personas muy sensibles, así como también claramente valientes. La verdad es que no todo el mundo está dispuesto a ofrecer su corazón para que alguien pueda pisotearlo. Los artistas hacemos eso una y otra vez y, puedo asegurarles, que siempre hay alguien listo para pisotear, saltar, retroceder sobre la víctima e incluso hacer algunos “wheelies” sobre el cadáver.

Pero aprendemos a sobrevivir con cierto estoicismo. A veces duele, pero no importa, porque también hemos aprendido que, la supervivencia, es fundamental para nuestro éxito. La mayoría de nosotros utilizará métodos básicos de defensa personal, como podría ser el de separar intelectualmente las opiniones sobre nuestro arte de las referencias personales (que son cosas diferentes de hecho, pero no siempre se desconectan fácilmente desde la visión del emisor ni del receptor).

La verdad es que, el arte, suele ser algo muy personal. Nuestra manera de expresarnos artísticamente es una parte de nuestro ser interior y que, expresado, simplemente cuelga en algún lugar para que la gente la vea y lo critique. Y así, en defensa propia, algunos de nosotros podemos recurrir a métodos de resistencia más inusuales. Pueden variar desde -se me ocurre- practicar vudú con un muñeco y una cuantas agujas (😊), a convertir a estos “pisoteadores” (creo que acabo de inventar una nueva palabra) parte de una exposición muy profunda sobre algo relacionado a las heces u otro objeto cuestionable.

Bromas aparte, está bastante claro que la crítica y, por tanto la recepción de comentarios adversos, es parte del negocio. Hay buenos comentarios también. Algunos amables, algunos duros, otros provocativos, pero en términos generales, buscan guiar, o descubrir lo cuestionable o dudoso de nuestro trabajo. Esto nos obliga a salir de ciertos lugares cuando nos hemos vuelto demasiados conscientes de nuestra propia presencia, o nos ayuda al invitarnos a parar la máquina cuando nos estamos alejando demasiado de nuestra esencia. También es importante reconocer que, más allá de todo esto, hay tantos críticos como personas que se detienen a observar nuestro trabajo (“Son todos críticos” como dice el viejo refrán del mundo del espectáculo).

Pero luego hay otra clase de espacio. En ese aparecen figuras más oscuras, que se mueven un poco en las sombras. A muchos de estos críticos les gusta ponerse en un lugar terminante. Cómo explicarlo…. imaginen “Endgame”, estamos en la batalla por la Tierra y Thanos manda a su ejercito a luchar contra nosotros… es una batalla a todo o nada, donde no todos van a sobrevivir y donde los que atacan no dudan en lastimar.

Estas personas con mucho gusto -y sin pensarlo detenidamente- destruyen sin piedad, transmiten lecciones -posiblemente perjeñadas por ellos mismos- sobre la forma “correcta” de hacer las cosas y la forma “incorrecta” de hacerlas, o incluso viven atascadas en algún estándar rígido y parsimonioso de manual de prácticas correctas -algo que ellos mismos han imaginado o presumido-.

Y no es que no esté de acuerdo con el hecho de que ciertas cosas no se deben hacer en nombre del arte. La gente que lastima a los animales, o a otras personas por ese hecho, o se burla de los débiles o frágiles en nombre del arte, me enferman. ¿Alguien puede llamar a eso arte? Claro, podés llamar arte lo que quieras. Pero ¿es arte? ¿más allá de la etiqueta? Y lo más importante, ¿debería hacerse? Desde mi concepción de las cosas, hay claramente temas y formas que se escapan de la definición (como dice Chris Rock: “Podésconducir un automóvil con los pies, pero eso no significa que sea algo que deba hacerse”).

Pero para esta gente, no se trata de criticar estas cosas. Se colocan en el papel de jueces del correcto paradigma ético y artístico, para luego proceder a destruir al pobre artista que se atreve a cruzar un teórico “Rubicón” estético, o al que resiste, permaneciendo en espacios visuales o estéticos con las que no está de acuerdo.

Algunos de estos críticos, aunque no todos por supuesto, incluso están de acuerdo con las locas acrobacias que descarté anteriormente porque las sienten expandiendo los límites del arte, o bien porque se presume que generan nuevos mercados, o una nueva “experiencia visual”. Y si eso implica cambiar sus propios y explicitados paradigmas en medio de la corriente, generalmente explicarán ese movimiento como su forma de evolucionar.

A estas personas las he rebautizado, al mejor estilo Seinfeld, como los “Nazis del arte”. Al igual que el amado “Soup Nazi” de su genial comedia, el nazi del arte es esa persona que tiene una visión tan estricta de lo que es o debería ser el arte, que dispara a matar cualquier cosa que no se ajuste a sus puntos de vista.

La verdad es que podemos encontrarlos en cualquier lugar. Incluso hay marchands y galeristas que también pertenecen a ese grupo. Y les puedo decir, no solo son difíciles para los artistas emergentes que acuden a ellos en busca de consejos y que son derribados y enviados al final de la línea imaginaria. También son el peor enemigo del joven aspirante a convertirse en artista y la pesadilla más difícil del artista consagrado.

“Qué tontería”, o la mirada de desdén y el típico “esto no es lo suficientemente bueno”, al caso extremo de “saca ESTO de mi galería” (todos casos verdaderos) no son infrecuentes. Estos reproches, que van directo a la yugular, resuenan en la pobre cabeza de los artistas, algunos de los cuales incluso se han desmoronado bajo el peso del martillo crítico del “Art Nazi”.

Todos tenemos el derecho a expresar que es lo que nos gusta o no, a criticar, ignorar o aplaudir. Pero coersionar un estilo, un artista o un mercado, para forzar una resolución aceptable en relación a una regla estética, económica, o creativa, es conceptualmente lo opuesto al arte. Sin embargo, es evidente que algunos egos deben ser alimentados, algunos mercados deben mantenerse limitados y algunas carreras impulsadas. Es así como los críticos de este estilo sobreviven y mantienen un estricto reinado sobre toda su área de influencia.

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La lección que uno aprende de todo esto es siempre la misma. Hay que tomarse el tiempo para escuchar, incluso si se trata de críticas duras. Pero aprendamos a distinguir entre un crítico duro y un “nazi del arte” hecho y derecho. En su caso, la forma de proceder, es simplemente la de ignorar sus dolorosos comentarios y seguir buscando otras vías de intercambio.

Lo principal es no perder la fe y seguir buscando a aquellos que finalmente comprenderán lo que estás tratando de decir, a aquellos que incluso pueden entender tu idea y tu expresión. Encuentra a aquellos que serán críticos, incluso sin descanso, pero siempre de buena fe. Son quienes se sorprenderán de tu libertad expresiva y que tu constante desprecio, o relativismo sobre algún paradigma aceptado, te haya permitido pasar a otra dimensión artística. En resumen, buscá a los que, con sus comentarios, te nutrirán de alguna manera, en lugar de que su expresión simplemente vaya a alimentar sus propios egos.

Hay mucha gente buena ahí fuera. Desde individuos amantes del arte, hasta expertos, críticos, periodistas, curadores, marchands, “conocedores” y propietarios de galerías que aman el arte un poco más que la “industria del arte”. Y aclaro que la industria artística es importantísima, pero si matamos al artista también matamos la industria.

Tal vez, a diferencia de los nazis de la sopa, es posible que estos críticos o galeristas intelectualmente honestos e interesados en la esencia de la expresión artistica y en el concepto de la libertad, no siempre tengan largas colas de personas en la puerta, todas listas para recibir sus brebajes. Pero estas son las personas que saben de lo que se trata el arte. Ellos son los que te guiarán y ayudarán a llegar lo más lejos posible con tu carrera.

Les insto a que los busquen. Estoy seguro que están esperando por Uds. y por su arte.

¡Hasta la proxima!

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera

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SIGA PARTICIPANDO (Y SEA UN POCO MÁS FELIZ)

CREATIVIDAD

5948339_700bedUn hecho que nunca deja de sorprenderme en los muchos años que llevo dando clases, talleres y charlas sobre liderazgo, creatividad, innovación y sobre la creación artística en particular, es la cantidad de gente que, habiendo pagado, o al menos invertido el tiempo en asistir a un seminario, transita la mayor parte de ese tiempo compartido haciendo… otra cosa.

Hoy en día lo más común es chatear por celular, pero puede ser también trabajar en la computadora (convencidos que esa “escucha en segundo plano” es idéntica a la participación formal), o simplemente demostrar que no están interesados poniendo aburridas caras de “esto ya lo sé”.

La verdad sea dicha, nunca me he dado por vencido con ninguno, y puedo señalar con cierto orgullo que la gran mayoría de ellos han salido estimulados por el intercambio de ideas y experiencias que finalmente se produce.

CsY9wT_UkAATQwx_edited.jpgPero la realidad indica también que ese hecho no es casual y que se origina ante la conjunción de una serie de elementos que lleva a personas, aparentemente interesadas en un tema en particular, a actuar de manera indiferente. Y esto no se limita a un curso, seminario, o actividad universitaria. En términos más generales también pasa en nuestra vida cotidiana. Desde una reunión de negocios hasta la charla técnica entre amigos antes del partido de fútbol, es una constante que siempre haya quienes, por diferentes motivos, miren todo “desde afuera”.

Las razones pueden ser muchas. En pos de la obtención de mejores resultados, y porque si sabemos lo que estamos haciendo tenemos muchas mejores posibilidades de resolver positivamente el tema en cuestión, les propongo que analicemos al menos 5 de las razones más comunes que yo he encontrado en mis seminarios, y que pueden llevar a una persona a desaprovechar su inversión en tiempo y dinero, o a encerrarse y perder oportunidades de adquirir nuevas destrezas laborales, sociales o emocionales:

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  1. Vinimos a escuchar lo que queremos escuchar.

Es un hecho que a todos nos cuesta escuchar lo que nos dicen y la tendencia natural es a querer que nos digan lo que queremos escuchar. Nuestros egos son difíciles de manejar, y más si estamos en posiciones de mando en una organización o somos profesionales independientes, acostumbrados a dar directivas y no a recibirlas. Intuitivamente nuestra necesidad -y satisfacción- es la de tener razón más que la de encontrar la verdad, y eso se refleja en nuestras actitudes. A tal punto que es muy común rodearse de gente que nos diga siempre que sí. Para realmente abrirnos y aprender, es importante escuchar de verdad. 

  1. Esto, en algún lado, ya lo vi.

Aunque nos cueste admitirlo, todos tenemos una vocecita que nos habla. No estamos locos, es un recurso muy normal. Pero lo peor que nos puede pasar es que la voz interior nos convenza que no hay nada nuevo en lo que estamos viendo. La realidad indica que todo proceso creativo es un remixado de ideas y posiciones ya existentes, modificado por nuestras experiencias personales, y en donde se pueden agregar elementos diversos. Es una recomposición de conceptos que genera algo novedoso. Y por lo tanto, es probable que muchas cosas nos traigan a la memoria otros conceptos parecidos que hemos visto en algún lado. La recomendación es la de no escuchar a la vocecita que nos pide que cerremos la cabeza. Démosle una oportunidad a lo que estamos recibiendo, y muy posiblemente nos sorprendamos con el resultado. 

  1. Yo, yo, y yo.

En este mundo del Siglo XXI en el que el “yoismo” hace estragos, enfrentarnos con un proceso que requiere hablar más de “nosotros” y menos de “mi” claramente cuesta. Muchos cursos y libros sobre creatividad e innovación parecen hoy más compendios de autoayuda que enseñanzas sobre lo que implica verdaderamente el proceso creativo. Al menos como yo lo veo, y contrariamente a lo que se presume comúnmente, no es un proceso basado en una mente brillante y díscola que logra romper con el statu quo. Muy por el contrario, es un proceso grupal, casi comunitario, que incorpora enseñanzas ya existentes, las reconstituye, y genera nuevas propuestas con la participación de varios actores trabajando mancomunadamente (lo que no implica que se lleven bien, solo que sepan trabajar juntos). El aceptar que no se trata de “cómo hago yo, para estar mejor yo, para tener una mejor vida yo, y para ser exitoso yo” y que en cambio tiene más que ver con “cómo podemos hacer nosotros, para estar mejor nosotros, para generar ideas y propuestas que nos involucren a todos por el beneficio de muchos” es ya un buen comienzo.

  1. Yo escucho, pero no sé si lo entiendo o si me cierra. Después de todo, yo llegué hasta aquí sin necesidad de todo esto.

Para muchos la necesidad de ser más creativos, y por ende más flexibles, es una simple moda. Que desde la empresa, o el entorno laboral, le pidan -o incluso le obliguen- a hacer un taller sobre temas como estos les genera rechazo. Muchos se preguntan “¿Por qué cambiar? Encima yo no me considero una persona creativa”. Sin embargo, la realidad nos indica que todos somos creativos, y que canalizar esas destrezas de una manera más metódica en un mundo de paradigmas en constante flujo, nos permite optimizar lo que hacemos. Como no nos queda opción, nuestra “vocecita interior” nos termina convenciendo que dejemos de resistir y que simplemente escuchemos – así terminamos de una buena vez!-. Pero con escuchar solamente, nos quedamos a mitad de camino y por ende, el resultado puede no ser satisfactorio. Eso nos llevará a sentir que lo que recibimos no nos sirve y que es todo una pérdida de tiempo. El proceso de enseñanza pone sobre la mesa información. Esa información disponible debe ser absorbida. No hay absorción sin participación. Por eso, escuchar no basta, y contribuir es esencial para generar el cambio. 

  1. Ya soy una persona grande. No voy a hacer eso.

El proceso creativo tiene en su centro una visión más lúdica de las cosas. Uno de los propósitos de mis seminarios y talleres es lograr que recuperemos “el niño interior”. Esa mirada inocente y despejada de vergüenzas, mandatos familiares, y temores es el camino más directo a reencontrarnos con nuestras capacidades perdidas. La resistencia, que en general es un temor “al qué dirán”, no nos permite participar. Para no sentirnos excluidos preferimos mirar lo que ocurre con ojos críticos, y el resultado final es muy poco enriquecedor. Somos grandes y podemos jugar, podemos reírnos, podemos participar, y podemos hacer el ridículo. Eso no nos convierte en personas “poco serias” (aunque en algún nivel espero que sí), si no que nos convierte en personas más completas y preparadas a explorar y explotar todas nuestras capacidades (las innatas, las estudiadas y las aprendidas casualmente a lo largo de nuestras vidas). Eso nos va a ayudar a ser personas menos frustradas, más creativas e innovadoras, demostrando liderazgos más naturales, y seguramente nos ayudará a ser también personas más completas, y por lo tanto, más felices.

Hasta la próxima!

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera

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Harlem Nocturne

VISUAL JAZZ

This is a new painting. Inspired by the great Earle Hagen.

His name may not ring many bells to most people, but almost everyone has heard at one time or another, many of his songs. The reason being that he was a prolific, and sought after, TV theme writer.

Somiab-harlem-nocturne-2016-50cmx50cme of his credits include the songs for The Andy Griffith Show, The Dick Van Dyke Show, That Girl, and The Mod Squad just to mention some of the sounds you may be familiar with from childhood, or from re-runs at some from the many “Classic TV” channels.

Hagen also composed one the most covered jazz songs in history:”Harlem Nocturne“, which was supposed to be just a song, but found its way into television as well many years later, as the theme for Mike Hammer.

Written in 1939 while Hagen was an arranger with the Ray Noble Orchestra, the song has been covered by most big bands, Jazz ensambles, R&B bands, and instrumental bands since it was first written. Someone even wrote some lyrics for it which were then sung by the “Velvet Fog” himself, Mr. Mel Tormé.

This wonderful song inspired my piece Harlem Nocturne with its deep reds and swinging surfaces in a romantic and vibrant composition.

And this is the version of this song played by the great Duke Ellington.

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HARLEM NOCTURNE (2016) by Ignacio Alperin – Acrylic, oil based paints and inks on canvas – 50cm x 50cm –

Until next time!

 

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera

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WHEN PAINTING AIN´T JUST PAINTING

A little bit of intimacy.

Painting and creating as it was filmed by the cameras of Artez TV (https://www.youtube.com/user/arteztvfull) and Revista Iniciar (http://www.revistainiciar.com.ar) during an interview in 2014.

Re-edited with a bit of the great Ahmad Jamal in the background to keep us company. 

 

Until next time!

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera

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A Cultural Effort of International proportions

Front Page Florida Weekly June 9 2016Stay in May, as the traditional Art Naples World Festival is now known, is a magnificent example of a comunity getting together to show and involve the general public in the best that the Arts have to offer.

I was very lucky to take part in this year´s event through the invitation of the Naples Art Association and the Festival organizers, and I must say I was impressed by the quality, the care and the variety that this group of hard working individuals have managed to put together year after year.

Just in case you have not seen any of my previous videos, here is a compilation from the Festivals own collection of promotional shorts.

Enjoy (and consider Naples in May for your next vacation! It is very much worth your while!)

Until next time.

Ignacio

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BRIDGES OVER ARTISTIC WATERS

Crystal Bridges Museum Jazz Alperin

Thanks to the gracious invitation by the CRYSTAL BRIDGES MUSEUM OF AMERICAN ART, I participated in the inauguration of their new exhibition by painting live at the Museum Amphitheater on May 11th, 2016.

I am very grateful for the invitation and the opportunity to visit this incredible new American Museum.

Here are some images from the event, in which I had the pleasure of painting to the music of a great band, Crusades.

 


CRYSTAL BRIDGES MUSEUM OF AMERICAN ART

For those who don´t know this beautiful and exciting modern American Museum, here is a little introduction:

Alice Walton, the daughter of Walmart founder Sam Walton, spearheaded the Walton Family Foundation’s involvement in developing Crystal Bridges. The museum’s glass-and-wood design by architect Moshe Safdie and engineer Buro Happold features a series of pavilions nestled around two creek-fed ponds. The complex includes 217,000 square feet (20,200 m2) of galleries, several meeting and classroom spaces, a library, a sculpture garden, a gift shop designed by architect Marlon Blackwell, a restaurant and coffee bar.

Don Bacigalupi was appointed director of the museum in August 2009. In early May 2011, the museum announced three endowments by the Walton Family Foundation totaling $800 million. These endowments were established for operating expenses, acquisitions and capital improvements.

Notable works include a Charles Willson Peale portrait of George Washington as well as paintings by George Bellows, Jasper Cropsey, Asher Durand, Thomas Eakins, Marsden Hartley, Winslow Homer, Eastman Johnson, Charles Bird King, John LaFarge, Stuart Davis, Romare Bearden, Norman Rockwell, Mary McCleary, Agnes Pelton, Walton Ford, Chuck Close, Jasper Johns, Alfred Maurer, Jackson Pollock and Tom Wesselman.


Until next time!

Ignacio

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Art under the Sun

As most of you know, thanks to the Naples Art Association, and in conjunction with the Stay in Naples Festival 2016 (formerly the ArtNaples Festival) I am exhibiting in this beautiful little piece of Paradise.

The care that is taken in every detail, and the beauty and tranquility of its palm lined streets, can only be matched by the warmth and open smile of its inhabitants.

For those who have never been to this beautiful town and its glorious beaches, I urge you to have a look at some Art under the Sun… (music by Michael Franks)

See you next time.

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera

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A painter gifted with the art of listening (Florida Weekly)

BY LINDSEY NESMITH

 

Ignacio Alperin’s exhibition “A Visual Jazz Affair” is showing at The von Liebig Center through June 3.  Synesthesia, the neurological phenomenon where the activation of one of the five senses stimulates another, could be considered to be a quirk of human evolution. Being able to smell laughter is an odd talent, but is also nothing Works by Ignacio Alperin on display at The von Liebig Art Center through June 3 include, clockwise from above left, “Paper Moon,” “Whatever Lola Wants” and “Kind of Blue (and Ochre Too).” to get worked up about if you happen to be the one person out of 2,000 who experience it.

If you’re an artist however, synesthesia can be a wonderful gift, particularly if you have an affinity for music and the ability to visualize it.

Argentinean artist Ignacio Alperin, whose exhibition “A Visual Jazz Affair” is showing at The von Liebig Center through Friday, June 3, is so blessed: He “sees” music as he hears it. His work is often compared to that of Kandinsky, who he learned also experienced sound-to-color synesthesia.

Works by Ignacio Alperin on display at The von Liebig Art Center through June 3 include….

FOR THE FULL ORIGINAL ARTICLE PLEASE GO HERE TO: FLORIDA WEEKLY

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Until next time!

Ignacio

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©2016 by Ignacio Alperin Bruvera